Календарь

Январь

Клод Моне «Прогулка. Дама с зонтиком». 1875

Холст, масло, 131 х 88 см Национальная галерея искусств, Вашингтон

США «Прогулка. Дама с зонтиком» (фр. La Promenade) — картина Клода Моне, созданная в 1875 году. Она также известна под названием «Камилла Моне с сыном Жаном». Эта работа считается одной из самых масштабных в творчестве художника 1870-х годов и в настоящее время находится в Национальной галерее искусств в Вашингтоне.

«Художник хотел, чтобы работа передала ощущение непринужденной семейной прогулки, а не формального портрета, и использовал позу и размещение, чтобы показать, что его жена и сын прервали прогулку, пока он запечатлевал их сходство. Краткость момента, изображенного здесь, передана набором оживленных мазков яркого цвета, отличительных черт стиля, в формировании которого Моне сыграл важную роль. Яркий солнечный свет светит из-за спины Камиллы, выбеливая верхнюю часть ее зонтика и струящуюся ткань на ее спине, в то время как цветные отражения от полевых цветов внизу касаются ее передней части желтым цветом».

Картина также напоминает о том, что жизнь — это череда мгновений, которые нужно ценить и наслаждаться каждым из них. 

Февраль

Константин Васильев «Валькирия над павшим воином». 1971

Холст, масло. 110 x 80 см. Картина относится к циклу «Скандинавские мифы». Картинная галерея К. Васильева, Москва.

Дева-воительница из северных мифов изображена на фоне затянутого тучами неба, что соответствует трагизму ситуации. Обязанность Валькирии — переносить погибших в битве воинов в Вальхаллу, где они будут вечно пировать и сражаться друг с другом в огромном дворце. 1

У ног валькирии распростёрт погибший воин, лежащий навзничь. Его грудь пробита копьём, рука ещё удерживает красный щит, но шлем и меч уже лежат в стороне. Валькирия, стоящая над телом героя, смотрит вверх, туда же указывает её рука. Там, в небесах, за тучами, воина ждёт Вальхалла. 1

Таким образом, картина передаёт идею о том, что война для Константина Васильева — это не грубое насилие, а средство восстановления справедливости и порядка, способ борьбы против зла и хаоса.

Март

Пьер Огюст Ренуар «Женщина с зонтиком в саду». 1875
Холст, масло. 54,5×65 см. Музей Тиссена-Борнемисы, Мадрид

В картине «Женщина с зонтиком в саду» язык Ренуара полностью импрессионистичен: в пейзаже, где нет видимого горизонта, цветы и кустарники изображены крошечными мазками, создавая постоянное переплетение текстур вокруг двух маленьких фигур. Женщина, зонтик которой защищает её от солнца, стоит рядом с мужчиной, который наклоняется, возможно, чтобы сорвать цветок, что намекает на близкие отношения.

Вопреки распространённому мнению, это полотно было написано не в сельской местности, а в саду новой студии Ренуара на Монмартре. Его друг Жорж Ривьер вспоминал: «Как только Ренуар вошёл в дом, его очаровал вид этого сада, который был похож на красивый заброшенный парк.

Пейзаж Ренуара — дикий, имперссивный, наполненный светом, движением и текстурой.

Апрель

Исаак Каплан «Портрет клетчатого». 1981
Холст, масло. Фондохранилище Мосфильма

«Портрет Клетчатого» для фильма «Приключения принца Флоризеля» написал Исаак Каплан, художник-постановщик картины. 

Портрет выполнен в стиле кубизма. По словам Каплана, на образ Клетчатого его вдохновила работа Пабло Пикассо «Портрет Амбруаза Воллара». В отличии от Пабло Пикассо автор картины не создает трехмерного пространства, а работает с двухмерным. В этом пункте «Портрет Клетчатого» больше напоминает следующую стадию развития кубизма — Cubisme de cristal («кристаллический кубизм», как называют его на Западе — в российском искусствознании этот термин не распространен): предметы показаны более плоскостно и декоративно.

Использован и аналогичный способ «игры» с атрибутами — в нашем случае с носовым платком и игральными картами.

После завершения съемок Иссак Каплан подарил этот портрет Донатасу Банионису, и тот несколько лет провисел на стене в домашнем кабинете актёра. 

Май

Константин Васильев «Лесная готика». 1969
Холст, масло. 41 x 100 см. Музей творчества художника Константина Васильева, Москва, Россия

К произведениям, проникнутым романтическим духом, можно отнести работу Васильева «Лесная готика». Картина была написана в период, когда художник активно изучал историю и культуру других народов, особенно его интересовала эпоха перехода европейцев к Ренессансу. Но не к итальянскому, а к более суровому северному Ренессансу, к возрождению светлой идеологии и культуры.

В «Лесной готике» передан психологический настрой северных народов Европы, во многом схожих с нашими русскими поморами, которые жили среди строгих и величественных лесов.

Картина несёт в себе отпечаток этой суровости и возвышенности, аскетической духовности. Несмотря на то, что художник изобразил привычный нам хвойный лес со всеми его цветовыми оттенками, этот лес ассоциируется с готическим храмом.

Сосны безмолвны. Но сквозь их кроны отвесно падают солнечные лучи, которые тремя отдельными потоками пробиваются сквозь листву и заливают сказочным светом стволы деревьев и землю. Своей живительной силой свет одухотворяет суровую стихию леса.

Июнь

Николай Рерих «Помни!». 1947

Холст, темпера, графит, гуашь, 92×153 см. Государственный русский музей, Санкт-Петербург

Высшей своей целью Рерих считал утверждение и сохранение культуры, и одним из его важных вкладов в мировую цивилизацию стала работа по защите культурных ценностей от вандализма.

Это символическое полотно, написанное Рерихом в 1947 году, незадолго до смерти. На картине изображён всадник на коне, который, покидая родные места, смотрит в сторону оставленного дома, словно желая навеки сохранить его в своей памяти.
Странник покидает родные места, но его взгляд устремлен к дому, словно он хочет навсегда сохранить его в своей памяти. Яркие солнечные лучи освещают дом и хрупкие женские фигуры, которые, подобно теням, скользят вдоль его стен. Они словно пытаются удержать странника своим теплом и уютом.

Однако величественные синие горы манят его туда, где среди белых снежных вершин, где-то между небом и каменной твердью затеряна таинственная Шамбала — страна, которую всю свою жизнь искал русский художник, мыслитель, ученый и вечный странник Николай Константинович Рерих.

Июль

Иван Шишкин «Корабельная роща». 1898
Холст, масло 165х252 см. Государственный русский музей, Санкт-Петербург

Работа художника «Корабельная роща» стала блестящим итогом полувекового пути Шишкина в отечественном искусстве, в основу которой легли этюды, исполненные им под Елабугой в Афонасовской корабельной роще, где он нашел свой идеал — синтез гармонии и величия.

Как все лучшие полотна Шишкина, эта картина рождает ощущение жизни, чувство непосредственной близости к природе. В основу ее легли натурные этюды, выполненные художником в родных прикамских лесах. Но в этом последнем произведении мастера отражено и то глубочайшее знание растительного мира, которое было накоплено им за почти полувековую творческую жизнь. Срезая рамой верхушки стволов (прием, часто повторяющийся у Шишкина), художник усиливает впечатление огромности деревьев, которым, кажется, не хватает места на полотне. Мощные вековые сосны даны во всей пластической красоте. Их чашуйчатая кора буквально вылеплена кистью с использованием многих цветов. Шишкин был и оставался до конца непревзойденным знатоком дерева, не имевшим соперников в изображении хвойного леса. Вспорхнувшие над ручьем бабочки, чуть голубоватые рефлексы от неба, зеленоватые отражения в воде, лиловатые тени на стволах, привносят светлую радость бытия, не нарушая при этом впечатления разлитого вокруг покоя. Разнообразные мазки, выявляющие форму и фактуру, подчеркивают мягкость травы, пушистость хвои, крепость стволов. Во всем чувствуется отточенное мастерство, уверенная рука художника. Конкретность образа сочетается в произведении с широким обобщением.

Картина Ивана Ивановича показывает не просто красивый и знакомый художнику с детства пейзаж, а памятник тому, что может создать не искалеченный годами закрепощения человек. 

Август

Сальвадор Дали «Постоянство памяти». 1931
Холст, масло, 24,1 × 33 см. Предоставлено анонимно. Музей Современного Искусства, Нью Йорк

На холсте изображён пустынный пейзаж каталонского побережья — море, пляж и мыс Креус, который часто рисовал мастер. На этом фоне разворачивается сюрреалистическое действо. Передний план — прямоугольный камень, на котором небрежно брошены размягчённые часы. Бронзовый брегет пожирают муравьи — в творчестве Дали они означают гниение и смерть. На золотых часах примостилась муха — символ вдохновения, а ещё одни — серебряные — вот-вот стекут с оливковой сухой ветви. Чуть дальше видна спящая аморфная голова — образ самого Дали, — укрытая ещё одним размягчённым хронографом. 

Созданные с тщательным вниманием художника к деталям, три карманных часа на картине вяло свисают с голой ветки дерева, выступа и звериной формы, которая при ближайшем рассмотрении напоминает искаженное лицо Дали. Когда солнечный свет падает на далекие скалы и прозрачную воду, на поверхности единственных закрытых часов кишат муравьи, а неподалеку садится муха, что указывает на гниение и опустошение в остальном нетронутом ландшафте. Благодаря своему сверхъестественному сопоставлению обычного и причудливого, а также намеку на остановленное или рассинхронизированное время (все часы показывают разные цифры), «Постоянство памяти» обладает устрашающе сказочным качеством. Он демонстрирует интерес Дали к исследованию того, как разум интерпретирует реальность и примат сексуальности для человеческой психики — направления исследований, которые останутся неизменными на протяжении всей его карьеры.

Спустя три года после создания, благодаря анонимному дарителю работа «Постоянство памяти» стала частью коллекции Нью-Йоркского музея современного искусства (МоМА) и остаётся ею по сей день. 

Сентябрь

Винсент Ван Гог «Три подсолнуха». 1888
Холст, масло. 73х58 см. Находится в частной коллекции

Картины Ван Гога «Подсолнухи» — одни из самых известных. Он написал их в Арле, на юге Франции, в 1888 и 1889 годах. Винсент написал в общей сложности пять больших полотен с подсолнухами в вазе, используя три оттенка жёлтого «и ничего больше». Таким образом он продемонстрировал, что можно создать изображение с многочисленными вариациями одного цвета без потери выразительности.

Картины с подсолнухами имели особое значение для Ван Гога: они выражали «благодарность», писал он. Первые две он повесил в комнате своего друга, художника Поля Гогена, который на какое-то время переехал к нему в «Жёлтый дом». Гоген был впечатлён подсолнухами, которые, по его мнению, были «полностью в духе Винсента». Во время пребывания друга Ван Гог уже написал новую версию, и позже Гоген попросил подарить ему картину, но Винсент не хотел её отдавать. Однако позже он сделал две отдельные копии, одна из которых сейчас находится в Музее Ван Гога.

Октябрь

Верещагин Василий Васильевич «Наполеон на Бородинских высотах». 1897
Холст, масло. 100х150 см Находится в коллекции Государственного исторического музея.

На полотне изображено Бородинское сражение 26 августа 1812 года. В процессе битвы Наполеон почти всё время находился в своей ставке у Шевардина. 1

Художник изобразил императора сидящим на походном стуле. Нелегко у него на душе, он кажется очень сосредоточенным и погружённым в себя. За Наполеоном — свита и штаб, а затем — гвардия в парадной форме. 1

Маршалы Наполеона напряжённо всматриваются вдаль — туда, где происходит сражение. Некоторые гвардейцы увлечённо обсуждают что-то постороннее. 1

Тщательно, с документальной точностью, выписаны художником военные мундиры приближённых императора, их оружие. 1

Образ Наполеона на картине Верещагина лишён традиционного ореола славы, величия и мужества. Художник видел во французском императоре прежде всего жестокого деспота, инициатора завоевательных войн, врага национальной независимости народов. 2

Ноябрь

Рене Маритт «Сын человеческий». 1964
Холст, масло. 116 x 89 см. Находится в частной коллекции

«Сын человеческий» — знаменитый холст бельгийского сюрреалиста Рене Магритта. Магритт писал эту картину как автопортрет. На ней изображен мужчина в пальто и шляпе-котелке, стоящий около парапета, за которым видно море и пасмурное небо или дым. Лицо человека практически полностью закрыто парящим перед ним зелёным яблоком. Своим названием картина, как полагают, обязана образу современного мужчины — этакого бизнесмена, строго одетого, высокоэффективного, но всё равно остающегося сыном библейского Адама и подвергающегося искушению тем же яблоком.

Сам Магритт говорил о картине следующее^[2]:

По крайней мере, она отчасти хорошо скрывает лицо, поэтому у вас есть очевидное лицо, яблоко, скрывающее видимое, но скрытое лицо человека. Это то, что происходит постоянно. Все, что мы видим, скрывает что-то другое, мы всегда хотим видеть то, что скрыто тем, что мы видим. Существует интерес к тому, что скрыто и что видимое нам не показывает. Этот интерес может принимать форму довольно интенсивного чувства, своего рода конфликта, можно сказать, между видимым, которое скрыто, и видимым, которое представлено.

Декабрь

«4 сезона». 2024
Холст, акрил. Находится в частной коллекции

Это полотно объединяет в себе четыре сезона года, изображая дерево в каждом из них. На картине передана красота и гармония природы, а также её изменчивость и цикличность.

Каждое время года открывает свои аспекты «круговорота жизнь»: зима — изображена в холодных тонах, дерево величественно укрыто снегом. Зима создаёт атмосферу спокойствия и тишины, природа замирает в ожидании весны. Весна — это яркие краски, пробуждение от зимнего сна, распускается молодая листва. Весна символизирует обновление и свежесть, природа радуется предстоящим переменам. Лето на картине изображено в тёплых тонах, дерево в полном расцвете сил, его ветви покрыты густой листвой. Лето дарит тепло и уют, природа наслаждается каждым мгновением. Осень представлена в тёплых оттенках, дерево готовится к зиме, его листья становятся жёлтыми и красными. Осень символизирует прощание и грусть, природа готовится к отдыху.

Данный сюжет стал крайне популярен для воспроизведения. Ведь несет в себе четко очерченную идею — гармоничность и красота природы, ее велик